Palimpsest von Kathy Hinde & Daniel Skoglund

Bei diesem Projekt handelt es sich um eine Zusammenarbeit zwischen dem schwedischen Klangkünstler Daniel Skoglund und der britischen audiovisuellen Künstlerin Kathy Hinde. Skoglund entwickelt Systeme und Geräte, mit denen er seine Alltagsbeobachtungen auf eine abstrakte Ebene übertragen und erforschen kann. Hinde lässt sich von Verhaltensweisen und Phänomenen aus der Natur inspirieren, um generative Werke zu erschaffen, die künstliche Intelligenz mit menschlicher/tierischer Intuition kombinieren. In diesem Projekt verbinden die beiden nunmehr ihre gemeinsamen Interessen sowie ihre Begeisterung für Zufallsverfahren und Prozesse mit offenem Ausgang. So wie sich Lebewesen allmählich ihrer Umwelt anpassen können, formen, beeinflussen und verändern auch die „offenen Partituren“ von Hinde und Skoglund deren Musik und Kunst. In Palimpsest zeichnen sie live auf einer auf dem Boden liegenden Leinwand. Indem mechanische Graphit-Sequenzer die Bleistiftstriche abtasten und Feedback-Loops erzeugen, werden diese Zeichnungen in Klänge umgewandelt. Die entstehenden Klangimpulse wiederum beeinflussen und steuern die Parameter der Videoprojektionen. Zeichnungen, Klänge und Projektionen überlagern sich Schicht um Schicht wie bei einem Palimpsest, womit ein Schriftstück bezeichnet wird, von dem der ursprüngliche Text abgeschabt und das danach neu beschriftet wurde, aber noch immer Spuren des alten Textes enthält. Da das audiovisuelle Geschehen und der Akt des Zeichnens sich gegenseitig beeinflussen und eine Feedbackschleife entsteht, erlebt das Publikum eine Performance, in der die Grenzen zwischen realer Zeichnung, Videoprojektion und Musik allmählich verschwinden. Das esc medien kunst labor bietet zudem einen Workshop an und zeigt vom 23.9. bis 16.11. Installationsarbeiten von Kathy Hinde.

„Ich bin Songwriter, Komponist, Multi-Instrumentalist (Bass, Keyboards, Violine) und Improvisator, der hauptsächlich mit verschiedenen Permutationen der elektrischen und akustischen Gitarre spielt.“ Gewiss ist die kurze Selbstbeschreibung Fred Friths zutreffend, und doch scheint sie eine Art noble Untertreibung. 1968 startete Frith seine Karriere als Mitbegründer des ikonischen Rockkollektivs Henry Cow. Seither haben ihn die unendlichen Spielmöglichkeiten seines Hauptinstruments Gitarre nie wieder losgelassen. Er experimentierte, improvisierte und komponierte in allen nur denkbaren Avantgarde-Konstellationen mit Brian Eno und Peter Brötzmann, Aki Takase und Richard Thompson, John Zorn und Robert Wyatt, dem Ensemble Modern und Yo-Yo Ma. Im Jahr 1995 war Frith zum ersten und bisher letzten Mal beim musikprotokoll zu Gast, damals mit einer solistischen Uraufführung. 2018 kehrt er zurück und überrascht in neuer Konstellation: Die 1976 in La Réunion geborene Komponistin und Elektronikmusikerin Bérangère Maximin, die unter anderem bereits bei John Zorns Label Tzadik veröffentlicht hat, ist seine herausfordernde Duopartnerin.

concert grandiose

Es ist und war von Anfang an ein sowohl künstlerisches als auch kulturpolitisches Statement: Das ORF Radio-Symphonieorchester Wien musiziert gemeinsam mit dem Klangforum Wien wie erstmals beim musikprotokoll 2014. Die Vorlage lieferte Georg Friedrich Haas, der ein concerto grosso für Kammerensemble und Orchester konzipierte. Die Idee: Ein Werk kombiniert großorchestralen Klangsinn mit den Feinheiten eines ensemblehaften Solistenkollektivs als ein quasi neues zeitgenössisches und luxuriöses Genre von Musik. Das Orchester als essenzieller Klangkörper der vergangenen 250 Jahre europäischer Musik war in all diesen Jahren im Genre Konzert immer wieder künstlerischer Partner von Instrumentalsolisten – sozusagen von Vivaldi bis Rihm. Das Ensemble als Träger zeitgemäßer Musik hingegen entstand in der uns heute geläufigen Form als Solist/innenkollektiv erst in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Nun spielen das Klangforum Wien und das ORF Radio-Symphonieorchester Wien gemeinsam – auf zu neuen Klangufern! Nach Aufführungen von Stücken von Georg Friedrich Haas, Zeynep Gedizlioğlu und Vito Žuraj folgt 2018 eine weitere Uraufführung, ein Kompositionsauftrag des musikprotokoll: eine Komposition für Orchester und Ensemble von Bernd Richard Deutsch.

Das Saxophonquartett wird vor allem als klassische Jazzbesetzung rezipiert, aber auch als Klangkörper für Arrangements barocker und klassischer Stücke. Einen weiteren besonders interessanten Weg praktiziert das junge Schweizer Konus Quartett, das sich einer radikal zeitgenössischen Version des Spielens mit vier Saxophonen verschrieben hat. Bei seinem musikprotokoll-Debüt bringt das Ensemble gemeinsam mit dem Komponisten und Schlagzeuger Martin Brandlmayr ein neues Stück zur österreichischen Erstaufführung. Brandlmayr erschließt verwirrend irrlichternde Klangquellen, setzt die live gespielten Instrumente in den Kontext mäandernder Samples, vermisst räumliche, zeitliche und emotionale Entfernungsgrade im Klang und lässt das Saxophonquartett gespenstische „musikalische Nachtbilder“ entwerfen. In seinem Stück Haunted House öffnen sich Fenster geheimnisvoll zu überraschenden Klangräumen, um sich abrupt wieder zu schließen. Die kanadische, in Berlin lebende Komponistin und Künstlerin Chiyoko Szlavnics hat ebenfalls ein spezielles Werk für die vier Experimental-Saxophonisten entworfen: sie stellt dem Quartett einen virtuellen fünften Spieler zur Seite, dessen Sinustöne mit den Multiphonics der Saxophone zu statischen und gleichzeitig enorm bewegten Klanglandschaften werden.

Zum ersten Mal zu Gast beim musikprotokoll ist das New Yorker Talea Ensemble, das sich in den vergangenen Jahren einen internationalen Ruf erspielt hat. Eine intensive Beziehung pflegt das Ensemble mit dem in New York an der Columbia University lehrenden österreichischen Komponisten Georg Friedrich Haas. Eine Uraufführung von Georg Friedrich Haas mit dem Titel Monolog für Graz wird in diesem Konzert flankiert von zwei Werken jüngerer Komponist/innen aus dem Umfeld der Columbia University, Zosha Di Castri und William Dougherty.

One night in Cairo I & II

In dem Trio The Dwarfs of East Agouza treffen drei versierte Improvisatoren und musikalische Seelenverwandte aufeinander –  Maurice Louca (u. a. Alif, Lekhfa, Karkhana), Alan Bishop (u. a. Sun City Girls, The Invisible Hands) und Sam Shalabi (u. a. Shalabi Effect, Land of Kush, Karkhana). Getroffen haben sich die Musiker 2012, nachdem Bishop und Shalabi nach Kairo gezogen waren. Alle drei wohnten im selben Mietshaus, im Kairoer Stadtteil Agouza. Sie freundeten sich an und trafen sich oft zu gemeinsamen Jam Sessions. Sie stellten fest, dass sie ganz hervorragend miteinander harmonierten, während aber gleichzeitig jeder seine ausgeprägte persönliche Musiksprache beibehalten konnte. Was die Musiker miteinander verbindet, ist neben handwerklicher Meisterschaft ein Hang zum Surrealen und eine gute Portion Humor. „Es ist aufregend“, so Sam Shalabi, „weil wir alle drei etwas Neues schaffen möchten, ohne bereits eine bestimmte Richtung im Kopf zu haben, in die die Musik gelenkt werden soll.“ Dabei bringt jeder seine spezifischen musikalischen Interessen ein. Und so treffen bei The Dwarfs of East Agouza Free Jazz und Krautrock auf südostasiatische und arabische Einflüsse und ägyptische Shaabi Musik. Im Anschluss bietet ZULI, einer der derzeit spannendsten Vertreter der experimentellen elektronischen Club Musik Szene Kairos, eine Vorschau auf sein erstes, demnächst erscheinendes Album. ZULI ist beim heurigen musikprotokoll auch mit seiner audiovisuellen Installation The Magma vertreten.

Österreich sei das „Land der Musik“, sagt man. Angesichts der gegenwärtigen politischen Lage gewinnt ein solch einzigartiges Selbstverständnis an zusätzlicher und beängstigender Aktualität und liefert den Ausgangspunkt für die Auftragsarbeit The Land of Music, eine Orchestersuite des Komponisten, Filmemachers, Künstlers und Copyleft-Aktivisten Christian von Borries. Im Zeitalter von Big Data werden populäre und weniger populäre Musikstücke, die für die Konstruktion der nationalen Identität Österreichs von entscheidender Bedeutung waren, umgestaltet. Aus algorithmischem Sampling und Neuarrangement mittels MIDI (Musical Instrumental Digital Interface) entsteht eine Collage des „Neujahrskonzerts“, von Ludwig van Beethoven über Gustav Mahler bis hin zu Johann Strauss. Doch auch Erwin Schulhoff kommt vor, ein kommunistischer Komponist, der während des Ersten Weltkriegs in der österreichischen Armee diente. Die Walzer von Strauss – von denen bei Abflug und Landung eines jeden Austrian Airline Fluges einer eingespielt wird – und die Symphonien von Österreichs Adoptivsohn Beethoven liefern Datensätze, die ein Programm Künstlicher Intelligenz trainieren, charakteristische Merkmale herauszufiltern und zu analysieren, um anschließend eigene Melodien zu komponieren. Die daraus resultierende Musik – von einem Orchester live vorgetragen – wird visuell von KI-generierten Bildern begleitet, die den Gebrauch von Musik und Bildern als Phrasen zeigen, die für Standortvermarktung und nationales Branding benutzt werden. Vertraute Musik macht sich bemerkbar, als kehrte man von einer langen Reise heim; vieles ist nicht mehr intakt, fragmentiert wie eine verblasste Erinnerung, de- und rekonstruiert in einer Epoche digitalisierter nationaler Identität, der man ein neues Image verpasst hat.